S XV 1436.
2,2 x 2,80 m .
1 Van der Weyden pertenece al grupo de los primitivos
flamencos, que aunque estudiados en el periodo gótico, sus técnicas y formas,
en muchos aspectos son plenamente renacentistas.
Otras obras de Van der Weyden: temas religiosos y bellos
retratos
2 Museo del
Prado., adquirido por Felipe II,
gran admirador suyo. Originalmente encargo de la cofradía de los Ballesteros de
Lovaina ( Bélgica) para su altar en una iglesia .Esta posiblemente sería la
parte central de un tríptico cuyos laterales se perdieron
.
3 Análisis formal.
Técnica: óleo
sobre tabla. Gran tamaño de figuras,
casi natural. Demuestra con maestría lo que se puede hacer con la técnica del
óleo: valores táctiles, detallismo, veladuras…
Tema religioso, del Evangelio de San Juan: “Junto
a la cruz de Jesús estaban su madre, la hermana de su madre, María mujer de
Cleofás y María Magdalena…José de Arimatea…pidió permiso a Pilatos para retirar
el cuerpo de Jesús. Fueron pues y retiraron su cuerpo. Fue también Nicodemo con
una mezcla de mirra y aloe. Tomaron su cuerpo y lo envolvieron en vendas con
los aromas, conforme a la costumbre judía de sepultar”. Tratado sin
convencionalismos medievales, como las coronas de santidad, sino como
personajes contemporáneos del pintor, de un gran realismo.
Composición: muy
cuidada. Todas las figuras en un primer plano, comprimidas como en una caja o
un escenario, como las esculturas de un
retablo gótico, con el fondo liso de oro, sin paisaje, sólo un poquito de
suelo con alguna piedra y huesos del calvario. Tracerías góticas en los ángulos.
Todo el protagonismo es de los rotundos personajes modelados como esculturas. En el centro de la composición la cruz, el
joven y José de Arimatea. Los laterales con los personajes de San Juan y María
Magdalena como paréntesis de la escena.En el centro el cuerpo de Cristo y la Virgen en la misma línea, los
brazos en la misma postura. María, vestida de azul (pureza), entonces el
pigmento más caro, contrasta con el rojo, de San Juan. Colores puros, limpios e
intensos. El blanco armoniosamente repartido. Según estudios hechos, la
división del espacio que ocupan los personajes está hecha conforme a la sección
aúrea, lo que va a estar muy de moda en el Renacimiento. (Proporción aúrea:
dado un segmento, u otro espacio, al dividirlo según esta proporción, la
relación entre el segmento mayor y el menor es igual a la relación del segmento
mayor con respecto al segmento completo, y así en las sucesivas divisiones.)
La luz de
frente, sólo un ligero sombreado detrás de los personajes, lo que aumenta la
vivacidad de los colores.
Gran realismo y
dramatismo expresivo. Realismo en las carnaciones: la palidez de desmayo de
la virgen: la carne de Cristo muerto. Expresiones de desmayo, muerte, dolor con
detalles como la lágrima de san Juan. Paños con pliegues duros, con aristas que
recuerdan a las esculturas del borgoñón Claus Sluter (típico plegado flamenco).
Detallismo preciosista en ropajes de Nicodemo, típico también de primitivos
flamencos. El dibujo muy marcado
delimitando la pintura, típico de pintura bajomedieval y renacentista
Contexto.- Van
der Eyden, igual que su contemporáneo Van Eyck, trabaja y aprende en talleres
gremiales. Su trabajo fue, en vida, muy valorado y bien pagado, tanto por
duques y príncipes, como por mercaderes
y cofradías. (Se puede repetir lo mismo que hay en La
adoración del cordero místico de Van Eyck)
Para completar:
Es éste otro camino por el que avanza la pintura flamenca, que tiene muchos
aspectos en común con la pintura de Van Eyck, especialmente desde el punto de
vista técnico, pero que se hace ahora mucho más dramático y expresionista.
Van der Weyden, discípulo de Campin es un autor menos
complejo en sus interpretaciones simbólicas que Van Eyck. Ello unido a su
fuerza expresiva, la claridad compositiva y la rotundidad y sencillez de sus
imágenes, convertidas así en auténticos iconos, hicieron que su ora fuera muy
apreciada por un amplio y variado público, y que gozara en vida de reconocida
fama. Un buen ejemplo es este famoso Descendimiento.
A pesar de su calidad es una obra primeriza, bastante influida por su
maestro Campin.
La composición resulta muy teatral: se recrea
frecuentemente en espacios interiores, y prescinde de elementos anecdóticos
como el paisaje, resulta así una obra más escueta y concisa.
Por otra parte se advierte que está muy estudiada,
perfectamente equilibrada por un eje central, marcado por el madero de la cruz,
el joven que lo descuelga y del propio José de Arimatea. Presenta además una
estructura cerrada, delimitada en sus extremos por las dos figuras curvadas a
modo de paréntesis (San Juan y una de las tres Marías), y la reiteración de actitudes en dos parejas de
figuras, las dos de pie que flanquean a Cristo (otra de las tres Marías y
Nicodemo) y muy especialmente las dos protagonistas, Cristo y la Virgen. Esla Virgen : una y otra figura
se disponen paralelamente repitiendo la postura; una está vestida, la otra desnuda; el uno muerto, la otra
desmayada; una en color frío, el otro cálido; ambos con el brazo yerto.
Disposición que en conjunto señala un óvalo central que termina de cerrar toda
la estructura compositiva.
En cuanto al dramatismo expresivo surge de los mismos
gestos de los personajes, a veces teatralmente exagerados (véase la Magdalena ); de la propia
ambientación lúgubre y escenográfica, y por supuesto del trabajo complementario
en los paños, a base de pliegues duros, aristados, hirientes, que nos recuerdan
a Claus Sluter y definen una estética muy característica del mundo flamenco
(plegados flamencos).
La obra probablemente ocuparía la tabla central de un tríptico encargado
por el gremio de los ballesteros de Lovaina. Posteriormente la adquiriría María
de Hungría y finalmente pasaría a la colección de Felipe II, gran admirador de
esta pintura.
No hay comentarios:
Publicar un comentario